|
楼主 |
发表于 2016-10-13
|
6.精神和态度不是唯一,音准和细节更需要注重。
录音师们建议,要能将演出的精神和态度带进录音室,但是也要兼顾热情和音准。部份的电子音乐录音作品更强调华丽、精致等表演时可能会忽略的细节,因此还是取决于音乐类型,再来寻找关联性。他也进一步提到,由于两者对象的不同,其实心态上也有差异,现场面对观众有时能得到满足的回馈,有时毫无反应,上台前要将身体状态准备好;录音时面对的是喇叭,要准备的是对于音乐很细节的认知,「在那个空间就像是面对镜子,任何瑕疵都会毫无遗漏的被检视。」诚如冠宇所提,若不习惯面对自己音乐真实样貌的人,照这面镜子会有很强的挫折感。
7.不必在录音版本加过多东西。
乐团的录音作品要能在现场演出时完整演绎,而不是录音很满很丰富,现场演出却完全玩不出同样的音乐,以激肤乐团举例,激肤以同步方式录音,只有鼓和贝斯两种乐器,没有因为是录音作品就加其他乐器来塞满音乐内容,也因此他们现场演出能够完全表现出录音的样态、甚至更好。Oliver 表示:「说到底,录音是『纪录』乐团的样子;而乐团样子的呈现,最真实的是现场演出,歌曲的意义在于直接的『演奏』,就算你录音时左拼右贴弄得很完美,现场玩不出来,我觉得是没有意义的。」
现场演出面对的是观众,录音室面对的是喇叭,得到的回馈完全不同,不要以为用台上的活力录音就一样能录好。
进录音室之后,最常犯的错误是什么?
8.自我感觉良好、准备不足。
录音室非常残酷,平常自己在家练,器材没那么好,鼓手、吉他手音量都超大、键盘的声音也浊浊的,音乐整个糊成一团,你就容易活在幻想里,觉得自己很棒,或者乐手之间的感情交流让人很陶醉掩盖了一切。有时候你可能觉得自己准备好了,做十次中你能做到三次就觉得自己可以做到了,但实际上没有做到的那几次,就是在浪费时间。平常练团若只练到六十、七十分勉强及格的程度,进了录音室之后的成果很可能只剩下二、三十分,即使练到一百分的程度,在录音室往往只剩下五十分,冠宇提醒乐团,对自己的标准一定要设得很高,建议把练团、现场录下来之后回去听,学着判断、检视自己程度,达到全团都认为「好」的目标,如果连自己的水平在哪都听不出来,冠宇直白地说:「要进录音室恐怕有难度。」
9.不熟悉而紧张,容易当局者迷。
「紧张」与不知如何「决策」容易影响录音进度,这两点问题尤其容易出现在团长身上,通常是因为对于工作伙伴及环境的不熟悉所造成,因此在录音之前,一定要花时间先熟悉这两者。此外,录音的人经常不知道哪个才是最完美的take,于是就反复地录下去,主唱特别容易感到自己唱不好,坚持一直唱,但通常后来使用的都是最初的几个。「音乐人都是主观的,尤其是独立乐团,最大的问题就是陷入当局者迷的情况,纠缠在一些细节上,这个音色跟那个音色的分别、这轨录音跟上一轨哪个比较好,大家的时间就浪费在这些『选择』上,但坦白说其实旁人可能根本听不出当中的差别。」Oliver 说道。
10.对歌曲的不确定性太高。
另外一点则是对歌曲的「不确定」,这点主要是因为乐团中没有负责做决定的人,团员就会花费太多时间在讨论上,甚至彼此想象的音乐内容可能也不搭,彼此没有讨论清楚,到录音时还反复在想编曲的事,音色取舍也捉摸不定。录音不应该是讨论的阶段,录音是把决定好的东西纪录下来,去录音室之前一切就应该有定案。也有不少情况是,主唱突然被制作人要求合声,若来之前完全没想过这件事,现场就会毫无想法,浪费大把时间。
11.误以为混音阶段还能补救。
许多新生代乐团对「录音」有个很严重的错误心态:总以为混音可以挽救/改变歌曲,所以录音的时候不是100%把心中想好的录好;录之前抱持着侥幸的心态,没有做好充足准备,「但混音是mixing 不是 fixing 啊!混音是把音源整合调理,把歌曲『应有』的样子完善地呈现出来。」Oliver说。
有好的录音素材,就等于是有好的食材,不需要经过繁复的料理过程,就能够端出好菜,混音要做得好,基本上还是要有好的源头,否则「鱼不新鲜,可以油炸可以煎,烹调繁复点,最后还是能吃;如果新鲜,简单清蒸或做生鱼片已经很好吃。但现在很多乐团都只能做油炸做煎的,而且还不见得好吃……」应该要抱持的态度是,录音时就要把每个环节做到最好,这样才有可能在混音时变得更好。
小戴说现在将母带送到国外给知名人士制作,费用比起过往低很多,但不要以为这就是万灵丹;冠宇提醒,尤其音乐的美感和能量等感性的因素,不可能透过后制加入;Oliver觉得最无法挽救是人声,因为人声与其他乐器不同,「好听」不单是拍子、音准所构成,最重要是「情感」,「这所谓的情感是很主观、很不理智的,有时候拍子不准音不太对,反而比较好听比较『对味』;而且人声还包括咬字、发音、呼吸,这些非科学的元素都不太能用混音效果去调整」,音乐的本质依然是基础,是你弹了什么、唱了什么,对于制作音乐的过程要有清楚的认知,而不是期待混音师来擦屁股。 |
|